Hablo de todo esto con su vocalista y guitarrista, Stuart Braithwaite (Dalserf, Escocia, 1976), quien me atiende por la pantalla del PC desde Glasgow. Principal cabeza visible, claro está, de la formación que completan Barry Burns (guitarra, piano, sintetizador), Dominic Aitchison (bajo) y Martin Bulloch (batería).
En 2025 cumplís treinta años como banda. ¿Lo imaginabais en 1995?
La respuesta es no. Ni siquiera pensábamos en términos de años, imagínate en décadas. Así era cuando empezamos. Simplemente hemos ido haciendo nuestro camino. Y hasta aquí.
En cierto modo habrá sido como un sueño hecho realidad, ¿no?
Absolutamente. Casi no me puedo creer hoy en día todas las cosas que hemos hecho, toda la música que hemos creado y cómo la gente ha respondido a ella, la forma en la que la han disfrutado. Nos sentimos muy afortunados
"Es importante estar siempre alimentándote de cosas que te enriquezcan"
El álbum se llama The Bad Fire (2025), que es una expresión escocesa que a veces se utiliza para aludir al infierno. Entiendo que han sido tiempos complicados para vosotros justo antes de meteros en el estudio.
En cierto modo sí y en cierto modo no: solemos elegir los títulos de nuestros discos de una forma más bien aleatoria, caprichosa, pero también es cierto que este título encajaba porque han sido unos años un poco duros para nosotros. Pero bueno, es la vida. Son cosas que le ocurren a mucha otra gente. No somos especiales ni distintos al resto. Simplemente nos resultó difícil volver a juntarnos para grabar porque pasaron muchas cosas.
Tengo entendido que una de las dificultades fue que la hija de Barry (Burns), vuestro teclista, tuvo que sufrir una operación de trasplante de médula. Le entrevisté hace tres años y me comentó que As The Love Continues (2021), el título de vuestro anterior disco, surgió porque era una frase que solía decir la hija de Martin (Bulloch), vuestro batería, cuando tenía siete años. Al final son vuestros propios hijos quienes están condicionando la forma en que tituláis e incluso afrontáis vuestros últimos trabajos, ¿no?
Sin duda, así es. Incluso la canción “Lion Rumpus”, que está en este disco, nació de algo que dijo el hijo de Martin (Bulloch). Podemos decir que utilizamos a todos nuestros hijos como fuente de inspiración (risas).
Es la primera vez que trabajáis con John Congleton como productor, y creo que se nota en el hecho de que le da a vuestro sonido como una cualidad crujiente extra, algo que se puede apreciar en algunos de los discos en los que ha trabajado, como los de St Vincent, Sleater –Kinney o John Grant. ¿Os gustaban esos discos? ¿Qué buscabais en él?
Me gustaban todos esos discos. Para serte honesto, no le conocía en persona, y no sabía si su personalidad encajaría con la nuestra. Me daba un poco de miedo. Pero luego nos dimos cuenta de que tiene un gran sentido del humor y es muy buen tipo. La música en la que suele trabajar es áspera, y nos pega. Encaja con el tipo de música que hacemos.
Creo que él suele pasar mucho tiempo en el estudio, pero con vosotros no hizo demasiada falta, porque las canciones ya estaban más que perfiladas cuando empezó a trabajar con vosotros. Sois un grupo que lo tiene casi todo hecho antes de la fase final, al menos en cuanto a la estructura de las canciones. Supongo que fue fácil para él.
No, no tuvo que darnos muchas indicaciones (risas). Supongo que es lo que tiene llevar tanto tiempo en esto. Intentamos tenerlo todo muy pulido ya cuando entramos a grabar. El tiempo en el estudio es muy caro y no queremos desperdiciarlo y perder cientos de libras al día (risas). Tocamos las canciones ya muy bien, era más bien cuestión de hacer que sonaran mejor. Añadió también algunas ideas. Lo disfrutamos mucho.
La intuición, incluso la improvisación, sigue siendo una de las claves de vuestra música, ¿no?
Normalmente tenemos el esquema, la estructura de la canción, pero también las partes individuales de cada uno, lo que hemos ido probando en el estudio, pero incluso cuando tocamos en directo tendemos a improvisar mucho. Es muy importante la improvisación para nosotros, sin duda. Creo que es la génesis de toda la música. Salvo que sea música clásica. Siempre hay un punto de improvisación hasta que das con algo que te gusta de verdad. Es algo a lo que recurrimos mucho.
Y supongo que también seguís pensado siempre en cómo van a sonar las canciones en directo desde el mismo momento en el que empezáis a trabajar en ellas, ¿no?
Sí, lo seguimos haciendo. Así es. A veces, cuando se pone la cosa muy complicada nos decimos “oh, Dios mío, ¿cómo vamos a tocar esto en directo? (risas). Sí, es algo que consideramos siempre. El directo siempre ha sido una de las partes fundamentales de esta banda. Siempre lo tenemos en mente cuando grabamos.
¿Qué música escucháis últimamente?
De todo. Música de todo tipo. Ambient japonés. Mucho hip hop. Obviamente, mucho rock. Creo que todo lo que escuchas te influye, de algún modo. No es fácil pensar en algo en concreto que nos haya podido influir para este disco, porque seguro que son miles de cosas.
Supongo que el trabajo en bandas sonoras sí os ha marcado un camino, en cierta forma, en los últimos años. Muchas de vuestras canciones reflejan ese tono cinemático con mayor intensidad que antes.
Es interesante, porque ahora mismo me pillas trabajando en el estudio en otra banda sonora que estamos finalizando. Es bueno estar siempre haciendo música. Cuando estás en la dinámica de una banda, a veces estás seis meses metido en la música y otros seis meses en los que no compones nada, o incluso años, porque estás de gira, y esto nos permite estar continuamente implicados en la composición y aprendiendo cosas: las bandas sonoras también informan a tus propios discos según pasa el tiempo.
Hay un reciente documental sobre Mogwai, "If the Stars Had a Sound" (2024), dirigido por Antony Crook, quien también ha hecho algunos de vuestros videoclips, y tú mismo escribiste un libro autobiográfico hace un par de años, "Spaceships Over Glasgow" (2022), en el que hablabas sobre tu juventud y sobre la fascinación que te supuso descubrir a Sonic Youth, My Bloody Valentine o The Jesus and Mary Chain, y ver a The Cure y Nirvana en directo. ¿Señal de esa pulsión por recapitular que es tan propia de la mediana edad?
Un poco, sí. Escribí el libro porque me encontré con que no tenía nada que hacer durante la pandemia, y fue una coincidencia que entonces estuviera a mitad de mis cuarenta. Seguro que cuando era joven no hubiera tenido la paciencia de sentarme a escribir un libro (risas). Y el documental surgió de una forma casi casual: iba a salir al mismo tiempo que nuestro anterior disco, pero la pandemia lo cambió todo y se convirtió en un documental de larga duración, como una película. De todos modos, honestamente, trato de no ser muy nostálgico. Me interesa más el futuro que el pasado.
He leído que cuando grabasteis este disco estabas muy enfrascado en libros de William Blake.
Sí, pero es tan importante como lo pueda ser cualquier otra cosa: cada tipo con el que te cruzas, todo lo que ves o haces. Leo bastante. Es importante estar siempre alimentándote de cosas que te enriquezcan.
¿Disfrutáis tanto de tocar en directo como antes?
Totalmente. Creo que incluso más ahora. Honestamente, es lo que más me gusta de estar en un grupo.
Me decía Barry (Burns) que sus tres lugares favoritos para tocar en directo son Glasgow, Japón y España. ¿Tú también lo crees?
Sí, la verdad es que sí. Son tres públicos muy apasionados, cada uno a su manera, desde luego.
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