Aunque L.A. siempre ha tenido un sonido preferentemente americano, esa cualidad resulta todavía más evidente en “From The City To The Ocean Side” (Sony, 15). Algo que no es de extrañar si tenemos en cuenta que el disco ha sido hecho en California y además has pasado mucho tiempo el país, también con la gira. Así que la primera pregunta es evidente y obligada ¿Cómo ha influido toda esta experiencia en Estados Unidos tanto en la composición como en el sonido final del disco?
La verdad es que Estados Unidos lleva muchos años influyendo en mis canciones, en mi música y en mi inspiración… siempre he tenido el punto de mira musical allí. Pero en esta ocasión más que nunca por lo que has dicho: en los últimos años he pasado más tiempo allí, la experiencia es más intensa y obviamente va más allá de escuchar música americana en casa. En esta ocasión, al haber hecho todas las canciones allí, también todas las letras, y haberlas grabado allí… el caso es que la canción entera se ha creado allí y además con productor americano (Matt Wignall) y equipo americano… todo suma y hace que el disco suene más americano que nunca. No obstante sigue habiendo ese punto que ellos ven en lo que hago y que es lo que les gusta: me refiero a ese punto mediterráneo que no saben explicar muy bien qué es pero que les parece diferente. Podemos sonar perfectamente en un reproductor americano, pero mis canciones tienen un punto como mediterráneo, español o gitano que ellos no son capaces de definir muy bien pero perciben como diferente y les gusta.
Lo que parece claro es que la Costa Oeste y el océano han tenido peso específico en la personalidad de este disco... ¿Crees que de algún modo estos elementos te han cambiado estilísticamente? Lo digo porque afirmaría que este es el disco más pop y luminoso de L.A., precisamente siguiendo la tradición musical de esa Costa Oeste…
Musicalmente yo vengo del rock clásico, escuchando a Beatles o Led Zeppelin para que te hagas una idea, y de un tiempo a esta parte creo que he tirado un poco más hacia el pop. Si echo un vistazo a mi colección de discos de los últimos años ya hay mucho más pop y folk que rock, así que es probable que mi música vaya en el mismo sentido. He dejado atrás a Pearl Jam y ese punto más rockero (aunque algo siga habiendo ahí…). No sé si es que me voy aflojando… (Risas), pero es verdad que estoy cada vez más pop.
En mi opinión “From The City To The Ocean Side” (Sony, 15) tiene un sonido más orgánico, natural e incluso evocador que anteriores discos de L.A. ¿Estás de acuerdo? ¿Qué ha motivado esta circunstancia?
Sí, puede ser. Yo siempre veo varias fases de creación de un álbum: de la idea inicial a la mitad del proceso hay un abismo, y de ahí al resultado final hay otro abismo. A veces un simple arreglo de teclado manda la canción a un punto mucho más épico. Nunca pienso “quiero que este disco suene así” o “voy a buscar este sonido” sino que me dejo llevar bastante y después hago balance cuando ya han pasado unos meses y el disco casi está en la calle. Pero sí que es muy orgánico, todo está hecho con analógico, sin limpieza digital ni nada… no hemos quitado ruiditos ni nada. Está todo tal y como se grabó, de manera muy natural y prácticamente como si estuviésemos en el local de ensayo.
También creo que en este álbum hay menos épica que por ejemplo en “Dualize” (Gran Sol, 13) o al menos ésta no resulta tan evidente. Digamos que la emotividad y grandilocuencia de las canciones sigue ahí pero ahora de una manera más implícita que explícita…
Estoy de acuerdo. Concretamente hay dos canciones que para mí son más épicas o grandilocuentes y son justamente en las que hemos metido más teclados y más mano ajena dejándole hacer a Roger Maninng, que es el teclista de Beck y tiene una banda llamada Jellyfish bastante épica y pop. Sus arreglos en esas dos canciones son los que tienen un punto más épico… y hablo de la versión en estudio, que puede que luego en directo eso suene aún más grandilocuente. Pero es la excepción porque luego tienes canciones como “Ordinary Lies” que es sólo guitarra y voz sin artificios extras, o la que cierra el disco, “Wonderful”, que es sencilla pero en cierto modo para mí tiene el final más épico que he escrito en mi vida. Y es que al final también todo depende de lo que para cada uno signifique el término épico…
El trato específico de la melodía siempre ha sido una virtud en L.A. pero quizás ahora sea aún más evidente que nunca. Diría que el sonido es más cristalino y la línea melódica tiene más protagonismo que nunca ¿Pretendías lograr ese efecto?
No ha sido nada premeditado y casi te diría que lo que menos tiempo me lleva a la hora de hacer una canción es la melodía. Es lo que sale más natural y con lo que perdemos menos tiempo, porque en ese sentido suelo tenerlo muy claro y normalmente apenas varía la melodía desde la demo inicial a la canción que finalmente sale en el disco. Así que aunque lo pueda parecer, a la hora de grabar voces y melodías llegamos con todo claro y se suele hacer en una única toma.
Quizá precisamente por eso a la postre suena tan espontánea y transparente, adquiriendo incluso mayor presencia…
Pues sí… puede ser por eso. Obviamente queremos que suene bien y que la voz suene bien porque influye como parte importante de la canción, pero no le damos mucha importancia y perdemos infinitamente más tiempo en el sonido de la batería, los arreglos del teclado, las acústicas, las eléctricas, o incluso el bajo que con la voz. La letra si me lleva más tiempo, pero el tratamiento de armonías y demás es como muy normal. Incluso en “Dualize” (Gran Sol, 13) que es donde más voces he metido en mi vida… entonces trabajé con Richard Swift y nos entendimos muy bien hasta el punto de que las melodías salieron rodadas. Así que definitivamente es a lo que menos tiempo dedico.
Mencionabas antes la canción “Wonderful” y lo cierto es que es el cierre perfecto para este álbum: preciosista y elegante. Tengo que decir que al principio pensé que en alguna parte del tema te acompañaba una voz femenina, pero también es tuya ¿Puede ser que en este disco hayas jugado más con tu propia voz buscando nuevos registros?
Sí, son falsetes. Casi toda la canción la canto en falsete. Y sí, puede ser que haya jugado más con la voz. Es algo como muy natural, pero me gustan estas entrevistas porque a veces te comentan cosas en las que ni siquiera yo había caído. Esa canción en concreto se escribió mientras nos encontrábamos de gira con la banda. Estábamos en bloque de apartamentos bastante lujoso en México D.F., y no podíamos hacer mucho ruido porque eran como las cuatro de la mañana. Entonces teníamos que tocar y cantar muy bajito, así que saqué la canción en falsete. Llevé la demo así al estudio… la trabajamos así… y así quedó. A veces todo es mucho más natural de lo que parece… (Risas).
Has trabajado con Matt Wignall como productor y colaborador, y también con el músico Kyle Krone... ¿Cómo ha sido tu relación profesional con ellos y cómo han influido en el aspecto definitivo del disco?
Han influido totalmente. Creo que es mi disco más abierto. Siempre he sido un poco hermético a la hora de compartir las canciones y recibir opiniones de la gente. Incluso trabajando con Richard (Swift), que es un tío al que respeto profundamente y jamás le llevaría la contraria a no ser que fuese algo muy claro, me costó un poco. Pero empecé a aprender a abrirme y a ver que podía componer canciones con otra gente. En este caso concreto es incluso más que eso: nos fuimos a hacer un viaje de varios días por la costa de California: un coche, varias botellas de vino, unas guitarras y ya está. Y aunque tenía alguna demo escrita, todas las canciones salieron en ese viaje, con cada uno proponiendo sus ideas, sus letras, sus palabras… Así que han influido totalmente, a nivel de aportación pero también como parte de esa misma experiencia que ha motivado las canciones. El viaje con estos dos tíos ha hecho que el disco sea como es.
La edición en vinilo del disco incluirá hasta tres temas extras con respecto al CD ¿Tomaste esta decisión para potenciar el vinilo o es que esas tres canciones no terminaban de encajar en el resto del álbum y quisiste separarlas de algún modo?
Hummm, no… bueno, por ejemplo “June”, desde que la grabé siempre pensé en escucharla única y exclusivamente en vinilo. No sé por qué, pero en seguida pensé que tenía que estar sólo en el vinilo. Soy súper fan del vinilo y lo defiendo ante todo. Yo necesito tener constantemente nueva música en mis manos y siempre me ha gustado que mis artistas favoritos saquen ediciones especiales. Así que ahora tenía la oportunidad de hacerlo, y además en las reuniones con Sony para decidir formatos y demás me dieron libertad, así que pensé “Esta es la mía”… vamos a hacer que el vinilo sea totalmente especial, e incluso propuse hacer una portada diferente pero no se pudo por tiempo y marketing. Pero incluir esas canciones en la edición vinilo no fue porque no quedasen bien el CD, sino que había que elegir algunas y ver cómo encajaban los setlist en las diferentes ediciones. Así me pareció que era como mejor quedaba y así se quedó. No es que no me gustasen esas canciones como para no estar en el CD… de hecho como te decía es todo lo contrario: para mi el vinilo es lo más importante y por eso están ahí. Además será una edición en color amarillo y las fotos de la carpeta interior también son diferentes con respecto a las del CD. No lo he visto aún hecho, pero creo que va a quedar muy guay y me he dado el capricho...
Se podría afirmar que, hasta la fecha, siempre te has superado con cada nuevo trabajo. Me refiero a que en tu trayectoria siempre hay una constante sensación de crecimiento. Cuando sacas un disco, éste aporta algo inédito al global de tu obra... ¿Tienes la misma sensación? ¿Ves esa evolución como una especie de obligación creativa o necesidad personal?
Realmente te agradezco que me lo digas porque detrás hay siempre mucho esfuerzo. Aunque casi nunca premedito las cosas ni busco esa superación de propio. Soy poseedor de una carrera bastante larga, difícil y compleja. No ha sido fácil… saqué tres discos previos con mi propia discográfica y sólo quinientas copias de cada, dándose a conocer poco a poco. Puedo decir que todo ha sido complicado, y ers un honor cuando la gente me dice que le gusta mi disco. No he premeditado eso que me dices, pero me gusta que así sea. Yo soy consumidor total de música y soy un fan que se está gastando más pasta en discos de la que casi tengo… No hago más que comprar discos, y soy muy fan de que mis grupos favoritos hagan eso: empecé siendo ultra fan de los Beatles y me crié coleccionando cosas suyas y viendo que cada disco era diferente, alguno incluso como la noche y el día. Así que me crié con ese concepto Beatles de pasar del “Love Me Do” al “Tomorrow Never Knows”. Después me hice súper fan de Pearl Jam, que en tres años pasaron de un disco como “Ten” (Sony, 91) a otro como “No Code” (Sony, 96), de sequedad absoluta, austeridad, guitarras a lo Neil Young… Mis dos bandas favoritas en diez años tienen carreras como esas. Cada disco suena diferente, hacen cosas nuevas, meten conceptos nuevos… y a partir de ahí me hago consumidor total de música y busco las caras B y las cosas más raras de cada grupo. Así que de ahí viene todo esto y el pasar de un disco como “Heavenly Hell” (Universal, 09) a otro como “SLNT FLM” (Universal, 12). Hubo quien me dijo: “Tío, estás tirando tu carrera por la borda”. Podía haber hecho un “Heavenly 2”, que de hecho está hecho en un cajón de casa y era lo que la discográfica en parte quería. Pero cuando lo tenía hecho, con catorce canciones y tal, me di cuenta de que no quiero hacer todos los discos iguales y por eso cambié de tercio y me fui a hacer “SLNT FLM”. Yo creo en el fan de largo plazo, no en el fan de un disco. Yo no soy fan de un disco de prácticamente nadie, soy fan de bandas que tienen una carrera de puta madre con seis discos de puta madre y muy diferentes unos de otros. Y por eso en el fondo mis discos son así, quizá incluso sin haber sido consciente.
Y entonces y llegados a este punto… ¿Dirías que “From The City To The Ocean Side” (Sony, 15) el mejor disco hasta la fecha de L.A.?
No. Ya perdí el respeto a no decir cuál es mi disco favorito. Si le preguntan por ejemplo a Neil Young cuál es su disco favorito y dice que es el puto “Harvest” (Warner, 72) pues cojonudo tío, fantástico… esto no es como decidir entre un hijo, que es imposible. Mi disco favorito es el “SLNT FLM” (Universal, 12). Es el que siempre me apetece escuchar y el único que a día de hoy tengo en mi reproductor de Spotify.
Es habitual que, al referirnos a tu música, hablemos de un sonido universal y global… ¿Cómo está en la práctica esa conquista fuera de nuestras fronteras? ¿Crees que este disco puede suponer un paso definitivo en ese sentido?
Pues… (duda durante unos segundos). Bueno, en eso estamos desde hace unos tres o cuatro años. Lo de la carrera internacional ha cogido fuerza en el seno de L.A. Hasta hace cuatro años era inviable porque no teníamos la confianza suficiente en el proyecto ni al capitán de barco para hacer algo así, pero desde hace un tiempo lo vemos como algo posible y estamos invirtiendo muchísimo tiempo y esfuerzo. Desafortunadamente esto no depende sólo del disco ni de que las canciones sean buenas... Obviamente esa es la base, si no hay canciones apaga y vámonos, pero depende de muchas otras cosas. El hecho no tener veinte años, tener hijos, tener otros compromisos locales y en casa… todo eso hace que no podamos dedicarle todo el tiempo que quisiéramos. Aun así sigue siendo una prioridad y sigue siendo posible: cada vez tenemos más contactos, ahora nos vamos de gira otra vez y vamos a ir a Alemania, por ejemplo, aunque también vamos a tocar aquí. Sigue siendo una prioridad y lo veo posible. Y cada vez los discos son de más confianza para hacer eso. Por ejemplo con “SLNT FLM” (Universal, 12) no me veía haciendo eso, porque es un disco muy bueno que sonaba muy bien pero no era un disco actual a nivel internacional. No sonaba fresco a nivel internacional… aquí en España sí, funcionaba de puta madre, las canciones eran redondas, pero fuera igual no. Ahora sí que creemos estar haciendo discos que pueden funcionar en una liga de fuera de aquí. Así que más o menos eso sí que sigue siendo una prioridad y sigue habiendo luz y sigue funcionando así que… Ahora vamos a sacar el disco en Latinoamérica, luego queremos ir a Japón, Australia… Estados Unidos sigue siendo una prioridad… pero como te digo requiere mucho tiempo y dedicación.
¿Qué tal fue esa última gira americana, actuación el South by Southwest incluida?
Muy bien. Pero el problema de Estados Unidos es el tiempo ¡Es enorme! Hablar de tener un par de shows de puta madre en Houston o Austin implica que estás en el lado opuesto al mercado de Nueva York o California, por ejemplo. Hay gente que hace giras de un año y sólo van a dos estados… es una locura. Para una banda como nosotros, arrancar el proyecto L.A. en Estados Unidos son dos años de gira promocional, y eso es sólo como dar un paseo o una vuelta por Estados Unidos. Es una locura y si te embarcas en eso ya tienes que dejar un poco de lado lo de España, que es un poco lo que nos ha pasado a nosotros al año pasado. Y eso tampoco puede ser, porque estás fuera un año y aunque antes te fuesen bien las cosas, la gente se empieza a olvidar. Es muy complejo y aunque la idea está ahí, ahora mismo es una prioridad sacar el disco aquí, hacer gira, presentarlo en festivales y luego ya se verá.
Precisamente, y ya para terminar, te quería preguntar por esa próxima gira española ¿Qué músicos van a acompañarte sobre el escenario y cómo van a ser esos conciertos?
Ahora mismo somos los cuatro de siempre, además de la inclusión de Damián Tejedor con teclados, acústicas y demás como novedad. Este verano hará un par de shows con nosotros también Lourdes (Hernández) de Russian Red cuando acabe con sus compromisos en Estados Unidos. Ya hemos hecho algún concierto juntos. Seremos entre cinco y seis miembros. Además de los festivales habrá gira en otoño por salas, pero las fechas dependerán un poco de la gira por Alemania. Y ya después volveremos a Estados Unidos. No queremos dejarnos ningún sitio sin tocar (Risas).
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