Tras “Jungle” (14) y “For Ever” (18), Jungle encaran el lanzamiento de “Loving In Stereo” , su primer trabajo completo en casi tres años, que llegará a las tiendas de todo el mundo y plataformas digitales el 13 de agosto. Con un establecido arte minimalista en lo referido a las portadas de sus álbumes, McFarland y Lloyd-Watson hacen su exhibición artística en su música y sus vídeos musicales, los verdaderos pináculos de su trabajo. Una prueba de ello han sido los últimos singles del grupo, “Keep Moving” y “Talk About It”, que sirven como avance de lo que está por llegar: un excelente diseño de producción en sus videoclips (dirigidos por el propio Josh), equipos de coreógrafos profesionales y grupos de bailarines experimentados y una música que se mueve entre la electrónica y el neo-soul bailable. Así son Jungle, una mezcla de todo eso y de una filosofía musical que tiende puentes entre lo viejo y lo nuevo.
Me cito telemáticamente con Tom McFarland y converso con él sobre influencias, la escena musical londinense y la electrónica en estos tiempos de cambio. Desde un primer momento se puede percibir: No viene a vender su álbum, sino a hablar de música con la misma pasión que el chaval que comenzó su trayectoria en Shepherd's Bush hace ya casi veinte años.
Han pasado casi tres años desde vuestro segundo álbum, “For Ever”. Asumiendo que os gusta tomaros vuestro tiempo [cuatro años entre sus dos primeros álbumes], ¿cuál es vuestro proceso de selección de canciones que van a formar parte de vuestros nuevos proyectos?
No creo que haya una cronología específica. Mucho de nuestro 2019 fue el proceso de poner en común ideas, ver cuáles iban a funcionar juntas y hacer los últimos toques. Así fue como en diciembre de ese año entramos en The Church Studios, que es un lugar muy agradable del norte de Londres. Juntamos un coro de cantantes porque teníamos muchas ideas que sentíamos que necesitaban esa energía vocal. Queríamos transmitir la pasión, la intensidad. Creo que fuimos bastante valientes haciendo este álbum y reuniendo al coro o al conjunto de cuerdas para que interpretaran nuestras ideas. Así es como terminó siendo.
"Siempre hemos amado la forma en la que los artistas hacen ambigua esa línea de percepción entre lo que está hecho por un humano y lo que está hecho por máquinas".
He escuchado cómo en el pasado habéis hablado de la presión del artista cuando publica su segundo disco. ¿Cambia la situación con el tercero? ¿Os pone nerviosos cómo el público lo va a recibir?
Este lugar es algo así como lo opuesto al lugar en el que estábamos mental y emocionalmente cuando hicimos nuestro segundo disco, ya me entiendes. Este álbum es una verdadera representación de nosotros mismos y creo que eso viene de la confianza y la convicción, del espíritu de creer en lo que haces. La gente tiene opiniones, está claro, pero cuando amas algo otras personas lo van a amar también. Eso es lo más importante, que te guste lo que hagas. En cuanto al sonido, hemos ido mucho más allá de lo que pensábamos que íbamos a llegar en términos de producción y estética.
Recientemente habéis dicho en una entrevista que “Loving In Stereo” supone para vosotros llegar al sonido que imaginasteis para Jungle desde el principio. ¿A dónde se va desde aquí?
No lo sé, probablemente a algo completamente distinto. A lo mejor una nueva carrera. Igual me meto en el periodismo deportivo o acabo jugando al golf profesionalmente [bromea]. Tendremos que esperar a ver qué hacemos. Después de haber hecho este álbum quizás podemos llevar el sonido más allá o ir en la dirección opuesta y hacer algo muy raro y electrónico. Habrá que verlo.
Hablemos del disco. El trabajo abre con “Dry Your Tears”, que, a pesar de su corta duración, es uno de los temas más atmosféricos del disco. ¿Fue concebida como una pieza introductoria?
Fue, de hecho, lo último que hicimos para el álbum. Sabíamos que queríamos comenzar con “Keep Moving” y pensamos que sería increíble empezar con una introducción muy cinemática. Teníamos la idea para el plano que iba a abrir el vídeo de la canción, así que necesitábamos algo de música introductoria para él. Encontramos una melodía y unas cuerdas que habíamos grabado durante las sesiones y no utilizado y lo convertimos en esta increíble pieza que de forma hermosa desemboca en el inicio del disco.
Es interesante que menciones la palabra “cinemático” porque para mí la producción de la canción tiene una dimensión atemporal. Podría haberse producido en cualquier era.
Sí, intentamos traer esa sensación de nostalgia en todo lo que hacemos pero siempre tenemos que hacerlo y verlo a través de una lente moderna. Al final estamos haciendo música moderna en tiempos modernos y con equipo moderno. Siempre hemos amado la forma en la que los artistas hacen ambigua esa línea de percepción entre lo que está hecho por un humano y lo que está hecho por máquinas.
Tal como has dicho, la canción está directamente unida a “Keep Moving”, que ha sido uno de vuestros singles más exitosos. ¿Cómo de difícil es para vosotros hacer que las canciones fluyan y establecer un ritmo coherente y constante durante todo el álbum?
Creo que es bastante instintivo, pero obviamente lleva algo de tiempo. A veces tienes una idea sobre qué canción debería ir detrás de qué canción pero acabas terminando esa canción de una forma diferente o comenzando la otra de una manera distinta en la que no encajan. Josh y yo siempre estamos escuchando discos, ya sea el nuevo álbum de Eminem de principio a fin, “Dark Side Of The Moon”, de Pink Floyd, o “What’s Going On”, de Marvin Gaye… Esos trabajos tienen una narrativa muy fuerte que siempre nos ha inspirado y en la que siempre nos hemos sentido inmersos. Son años de estar escuchando álbumes que tienen esa sensación de cohesión y se acaba expresando en cómo hacemos nuestra música.
"No hay duda en nuestras mentes de que cuando toquemos en directo en los próximos dos años lo vamos a pasar en grande. Y el público también".
Esa sensación de historia, ¿no?
Sí, definitivamente. Creo que no pensamos en ello necesariamente, que es algo algo así como una sensación, ¿sabes? Escuchas el final de una canción e instintivamente sabes qué canción quieres escuchar después.
Hablando de cohesión dentro del proyecto, me ha parecido escuchar entre varios de los temas algunos interludios con voces que charlan y algo de ruido blanco que no he acabado de identificar. ¿Era esto deliberado? A lo mejor me estoy volviendo loco.
Creo que se trata de un deseo nuestro de dar a la audiencia un atisbo del proceso. Siempre me han encantado los álbumes en los que de alguna forma puedes echar un vistazo al proceso a través de una ventana. Escuchar a alguien hablando a un micrófono, tocando una nota equivocada o rompiendo un vaso en medio de una toma. Pienso que es una referencia a eso y una decisión estética que realmente pensamos que funcionaría.
Escuchando “Loving In Stereo”, una de las preguntas que me vinieron a la mente fue: ¿Cuál es vuestra relación con el mundo de los samples y cómo la encajais en vuestra forma de componer?
Creo que el sampling es una parte masiva del ADN de la música moderna: desde el hip-hop a finales de los años setenta en América, cuando los músicos literalmente pegaban bucles en cinta, a ahora, cuando tienes miles de samples online y los sistemas para obtener derechos de sellos discográficos y autores son bastante simples. Me divierto con ellos, pienso que son geniales y creo que nosotros preferimos crear nuestros propios samples. Eso es lo que hacemos, realmente. Intentamos crear un sonido que luego podamos meter en un ordenador y hacerlo sonar como si procediera de un álbum antiguo.
Siempre habéis intentado llevar vuestra música a la experiencia del directo con una banda completa. ¿Este nuevo álbum ha sido un desafío en ese aspecto? Decís que su música es el resultado de la espontaneidad del momento.
No sabría decirte. De alguna manera es más fácil porque hay muchas menos cosas ocurriendo, ¿sabes? Creo que hemos conseguido tener un impacto grande en algunos de los temas con menor instrumentación o menos partes. Hay un poco más de espacio en este álbum, pero sigue pisando fuerte. Es por eso que algunas de estas canciones se sienten más naturales en un escenario en directo. Hemos estado ensayando durante las últimas semanas con algunos de los nuevos miembros de la banda y pinta muy bien. La cuarta dimensión de Jungle es su audiencia y la experiencia del directo, de tener esas emociones compartidas. Estamos realmente esperando volver a hacerlo.
Realizasteis vuestro último tour en verano de 2019. ¿Creéis que la nueva situación de los conciertos y festivales va a influir en la reacción de la gente al álbum? Especialmente teniendo en cuenta el tipo de música que hace Jungle.
En términos de logística, cuando tocamos en directo con una audiencia, queremos darle a la gente el total de la experiencia Jungle. No podemos ponernos en una posición en la que le damos a la gente algo menos del cien por cien de nosotros, así que es cosa nuestra mantener el tipo en el escenario a pesar de la situación y tocar para esos fans que han trabajado duro para poder estar ahí. No hay duda en nuestras mentes de que cuando toquemos en directo en los próximos dos años lo vamos a pasar en grande. Y el público también.
Moviendo el foco a la estética de esa “experiencia Jungle”, siempre habéis hablado de cómo el arte sencillo y similar de vuestros álbumes busca poner a la música por encima de todo. Esto es interesante teniendo en cuenta que vuestros vídeos musicales son una gran parte de vuestro proyecto. ¿Es una gran responsabilidad para vosotros producir piezas que estén a la altura de las canciones?
Supongo que sí. De hecho, hacer los vídeos es uno de los aspectos más divertidos y energizantes de estar en Jungle. Josh y yo siempre preferimos estar detrás de las cámaras, en la mesa de mezclas, en lugar de estar en el centro, y es por eso que los vídeos nos dan la oportunidad de disfrutar del proceso de producción. Se trata de trabajar con gente en la que crees. Tuvimos mucha suerte de trabajar con Cece Nama y Nathaniel Williams, que son los dos coreógrafos, y con el increíble equipo de bailarines que reunieron. Estos tipos están en lo más alto de su juego en la escena de la danza de Reino Unido. La actitud, la energía y la forma en la que reinterpretan nuestras historias en pantalla es muy notable. Siempre hemos querido tener esa continuidad durante nuestra carrera. Nunca haremos un vídeo en el que no haya baile, simplemente no nos parecería lo correcto.
Vuestros vídeos son famosos por sus largos planos secuencia. Lo hemos visto recientemente en los videoclips de “Keep Moving” y “Talk About It”. ¿Filmar de esta manera tiene que ver con la forma de vuestra música? Quizás esa sensación frenética de vuestros loops.
Creo que definitivamente es una decisión estética. Queremos hacer vídeos que sean diferentes a los de los demás. Mucha gente edita rápidamente un vídeo musical sincronizándolo al beat, a la música. Nosotros creemos tanto en el hecho de escoger localizaciones y talentos increíbles que no tenemos que utilizar trucos de cámara para que se sienta bien para la audiencia. Uno puede pensar “Ah, pero la gente se va a aburrir”, pero creo que ocurre precisamente lo contrario. Te aburres menos de algo así porque es muy intrigante y único.
"Las canciones que terminaron en este álbum son las que amamos más de todas las ideas que hemos estado creando y acabando juntos durante los últimos dos o tres años".
Este nuevo álbum toma prestado su nombre de una canción que Josh y tú escribisteis cuando teníais catorce años. Supongo que tendrá un valor sentimental para vosotros, pero ¿cuál es vuestra relación con el trabajo que habéis realizado en vuestro pasado lejano? ¿Podría ese tema estar en este nuevo disco?
No [risas]. No sé, cuando eres joven haces la música que crees que te hará famoso, ¿sabes a lo que me refiero? Eres ingenuo y en ese momento no has desarrollado tu propio sentido artístico. Tiendes a copiar a otras personas a las que admiras y te inspiran, y es por eso que sentimos que Jungle era lo correcto. Era la primera vez en la que verdaderamente nos quitamos la sensación de que teníamos que hacer cierta música para entrar en determinado género o escena.
¿Han cambiado en estos últimos veinte años esos nombres que os inspiran y a los que admiráis?
Sí y no. Pink Floyd, Marvin Gaye o The Beach Boys han estado en mi vida desde que tengo diez años, ¿sabes? Aquellos álbumes siempre estarán conmigo. Es por eso que mis influencias no han cambiado tanto, pero es obvio que escuchas nuevas cosas y descubres mucha más música. Especialmente gracias a la forma en la que funciona Internet. Mi acceso a discos de todo el mundo es mucho mayor que el que tenía cuando era un niño. Supongo que tengo más influencias pero a la vez siguen siendo las mismas. Simplemente se trata de cómo las reinterpretas a tu manera.
¿Y de vuestra escena en la actualidad? ¿Qué artistas contemporáneos a vosotros me podrías decir que suenan a la “música del futuro”?
Hay un grupo increíble de Los Ángeles llamado Gabriels que acaba de lanzar una canción que se llama “Love And Hate In A Different Time” y están consiguiendo algo de atención. Son increíbles. Hay muchas cosas buenas saliendo de Londres ahora mismo. Hay una cantante llamada Lava La Rue que tiene un tema llamado “Magpie” y es genial. Es una de esas canciones que resuenan conmigo como londinense y que creo que captura la esencia de la ciudad. Me encantan las canciones que hacen eso, que atrapan un tiempo o un lugar. Esos son unos cuantos ejemplos.
¿Cómo describirías esa Londres cuando Josh, tú y vuestra música aparecisteis en la escena de la electrónica en Shepherd’s Bush hace unos veinte años?
Fue hace bastante [risas]. La recuerdo difusa. En un día caluroso de repente se ponía a llover y todos los sonidos con los que estabas familiarizado cambiaban constantemente. Eso es lo que es Londres: un lugar increíblemente familiar pero que cambia tanto y tiene tantas caras distintas… La misma calle un día puede ser increíblemente bella o horrible dependiendo de la luz.
“Romeo” es vuestra primera canción que incluye una colaboración oficial con otro artista, el rapero Bas. Es una de las canciones de vuestra discografía con mayores reminiscencias hip-hop. ¿Cómo surgió aquello?
Bas es realmente un amigo al que conocimos en el backstage de un festival de Nueva York, en 2018. Volvió, pasó el rato con nosotros y nos llevamos muy bien con él. Fue agradable conocer a un tipo guay que quería charlar sobre música y pasarlo bien. Entonces estábamos terminando el álbum a finales de 2019 y nos escribió diciendo que estaba en la ciudad. Afortunadamente ese día nos encontrábamos en el estudio y le acogimos. Hicimos esa canción y fue muy rápido. Era como "hagamos algo que sea divertido y guay". Supongo que eso refleja nuestra relación con él.
Vuestro álbum “For Ever” y este nuevo “Loving In Stereo” cuentan con la fuerte presencia de Dean Josiah Cover en el campo de la composición y la producción. A pesar de que no forma parte de la banda, ¿cuál es su rol en Jungle y cómo funciona vuestro proceso con él?
Sí, él es alguien con quien colaboramos. Las canciones que terminaron en este álbum son las que amamos más de todas las ideas que hemos estado creando y acabando juntos durante los últimos dos o tres años. Así es como nuestro proceso funciona. Nunca pensamos quién hará qué. Tener esa fluidez en el proceso es muy importante para nosotros porque colaborar con nueva gente es educación. Aprendes nuevas cosas cuando trabajas con personas que no están en tu misma zona creativa.
Sé que Josh y tú os conocéis desde niños y que debéis tener ya una química desarrollada a la hora de trabajar juntos. ¿Cómo enfrentáis colaboraciones externas con artistas con los que tenéis menos confianza?
Creo que simplemente es muy divertido. Y creo que Josh y yo estamos tan cómodos en nuestras propias pieles que esos momentos no son para nada intimidantes o preocupantes, sino emocionantes. Nunca sabes qué vas a crear con alguien y tomar algo de aire fresco con ideas frescas verdaderamente te mejora. Te convierte en una mejor persona y en un mejor compositor.
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