Rocket/Popstock!
ROCK
El quinteto de Newcastle arremete con su tercera propuesta de larga duración, “Viscerals”, ocho cartuchos de pura dinamita en los que se mezclan generosas dosis de rock duro clásico con sludge, produciendo un sonido infeccioso y convincente. El primer aspecto digno de encomio por el que Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs se está ganando tanto fama como respeto es su cuidada versatilidad compositiva. Los británicos saben sorprendernos en cada nuevo lanzamiento con perspectivas cada vez más raspantes y claustrofóbicas. Podemos aseverar sin miedo a equivocarnos que “Viscerals” es el disco más aplastante e inflexible que Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs ha conseguido idear hasta el momento. Bien sea por la coyuntura que nos toca vivir, o por motivos que escapen de nuestra elucidación, Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs ha sabido recrudecerse de forma efectiva. “Viscerals” es un paso más dentro de la marcada actitud experimental de este conjunto de metal. Uno de los vértices más destacables de su, por el momento, triangular discografía.
Fernando O. Paíno
39.- Kelly Lee Owens - "Inner Song"
Smalltown Supersound
ELECTRÓNICA
Lo que comenzó en 2017 –con aquel primer notable álbum homónimo– siendo como una especie de anomalía sucedida en las entrañas del indie-folk-pop con querencias electrónicas o viceversa- se ha consolidado, a la vista y escucha de todos, como una de las realidades más destacadas, y a celebrar, en el panorama de la música hecha con medios no estrictamente orgánicos. El caso es que Kelly Lee Owens atacó a este pandémico 2020 publicando un nuevo trabajo titulado “Inner Song” que, a la postre, la ha ubicado en lo más alto de los tops del año maldito por pandémico. Lo que menos llama la atención de este estupendo disco es que la escocesa disfruta de una variedad de registros –y dominio estilístico– apabullante, casi ilimitada. No sorprende porque ya lo demostró en su primer lanzamiento en largo formato. Aquí lo que realmente destella, casi hasta cegar, es el buen gusto –y hacer– con el que consigue impregnar todo lo que toca; sea pop, techno, house, r&b o ambient.
Fernando Fuentes
38.- Dogleg - "Melee"
Triple Crown Records
ROCK
Que gran día tuvo que ser el primer ensayo de Dogleg. Cuatro tipos de Michigan metidos en un garaje descubriendo que había química entre ellos cuando se colgaban los instrumentos y soltaban adrenalina a tope. No sé si sintieron algo fuera de lo común, pero es evidente que Dogleg tienen algo especial, ese mojo tan preciado y tan escaso que bien podría ayudarles a crecer y convertirse en ese grupo de emo e indie rock por el que nos partiríamos la cara. Contar con los elementos necesarios (guitarras rápidas, voces crispadas, pura visceralidad) puede parecer sencillo, pero conseguir un disco de debut como este “Melee” requiere de un talento indiscutible para las melodías y para redondear canciones en las que ni uno solo de los miembros deja de pisar el acelerador durante todo lo que duran estos diez cortes. Dogleg no descubren nada, eso es sí, pero ¿a quién narices le preocupa eso cuando tiene frente a las narices un disco de la hostia? A mí no, se lo aseguro.
Joan S. Luna
37.- Grimes - "Miss Anthropocene"
4AD
POP
Se ha criticado a Grimes por su postura excesivamente cínica en entrevistas recientes, apuntando también a su situación personal con Elon Musk y a una posible deriva anarco-capitalista de la autora de “REALiTi”. Ella es consciente de esta repercusión, pero defiende que está todo dentro de una performance; una que, admite, se planteó si sería conveniente hacer. Pero, una vez decidido que sí, Grimes tiró de perdidos al río sacando la peor parte de sí misma la excusa de un personaje, como hiciera Reznor en “The Downward Spiral” (94), una de sus mayores inspiraciones para este disco, según comentó. Incluso nombrando una canción (“Darkseid”) con el alias que usa en los videojuegos online, “donde me escapo para matar gente”. Lo primero que uno concluye tras escuchar “Miss Anthropocene” es que se nota que cierra una etapa –es su último álbum en 4AD– porque es lo opuesto a un disco continuista (lo segundo es que Grimes está como una cabra y nos encanta, pero eso no es ninguna novedad). Sí, es cierto que se acerca más a la Grimes de “Visions” (12) que a la de “Art Angels” (15): la única que encajaría ahí es “You’ll Miss Me”… y, si me apuráis, la magnética “Darkseid” (donde por momentos Claire parece una Sevdaliza puesta de eme), por colaborar de nuevo con Aristophanes. Pero tampoco es un Visions 2.0, porque Grimes se abre a territorios nuevos: abraza los sonidos metal (no tanto como el single-ahora-bonus-track “We Appreciate Power”, pero se nota), combina la oscuridad con el pop más limpio (“Violence”), mezcla el extrañísimo concepto del álbum con una –estupenda– canción cursi en “IDORU”, llega a hacer “una versión cyberpunk de una película de Bollywood” (4 AM) y hasta se marca dos baladas en las que no la hubiésemos imaginado (“New Gods” y, especialmente, “Delete Forever”). Que su comportamiento errático no os ciegue: “Miss Anthropocene” es otro discazo de Grimes.
Pablo Tocino
36.- Róisín Murphy - “Róisín Machine”
Loaded/BMG
DISCO
Explosivo y poderoso es el regreso de Róisín Murphy con su quinto álbum de estudio. Una colección de diez temas destinados a la pista de baile que reivindican la figura de una mujer auténtica, independiente y segura. Un viaje sonoro por una lección de autoconocimiento por parte de la estrella irlandesa, sus fantasías y libertad como creadora. Con DJ Parrot en la producción, presenta un mundo de plástico, superficial (“Narcissus”) y cargado de brillo donde salir a bailar es casi tan importante como poder respirar (“Selfish Mademoiselle”). Temas ‘buenrollistas’ y a la vez reflexivos que convierten a Murphy en la diva absoluta de 2020. El momento más brillante llega con ese himno que es “Incapable”, un corte funky adictivo, hipnótico, que crece entre unos sintes indomables y una marcada percusión. En resumen, una propuesta disco-house cuidada y de calidad que no recibirá el reconocimiento que se merece por no ser la más popular de la clase.
Álex Jerez
35.- Moses Sumney - "græ (Part 1 & 2)"
Jagjaguwar/Popstock!
POP
Para Moses Sumney, no hay más reglas que las que él mismo se quiera imponer. Es decir, ninguna. Si alguien tenía alguna duda sobre la conveniencia de añadir su nombre a la pasarela de grandes talentos de ese pop polimorfo que desenmaraña la complejidad de nuestro presente (Anohni, Perfume Genius, Solange), quedará más que solventada con este colosal segundo álbum. La mitad de su contenido fue ya desvelado digitalmente en marzo, pero es ahora cuando sus veinte canciones cobran formato físico como una ambiciosa declaración de intenciones que empequeñece –por contraste– un trabajo tan notable como “Aromanticism” (17), y que explora a fondo la idea de la alteridad y cuestiona los planteamientos binarios en esta sociedad del like y el unlike para poner en solfa los estereotipos de género (ya sea sexual o estilístico), de raza o de cualquier cosa que se le ponga por delante a este talento omnívoro, artista total, portentoso vocalista de falsete que desafía cualquier capa de la atmósfera y compositor de instinto superlativo para rodearse de un all star de músicos que dan a su discurso justo lo que necesita en cada momento: el bajo de Thundercat, el saxo de Shabaka Hutchings, los vientos de Adult Jazz, los arreglos de cuerda de Bob Moose, la voz de la gran Jill Scott, el piano ocasional de Esbjörn Svensson, la rúbrica compartida de James Blake y ahora, por si fuera poco, la coproducción de Daniel Lopatin (Oneohtrix Point Never) en un equipo en el que también figuran Matt Otto y John Congleton.
Carlos Pérez de Ziriza
34.- Jarv Is… - "Beyond The Pale"
Rough Trade/Popstock!
POP
Jarvis Cocker vuelve a reinventarse y se presenta como JARV IS… en este experimental y vibrante “Beyond The Pale”. Un proyecto concebido como una nueva forma de crear canciones. JARV IS… nació para actuar, a finales de 2017, en el festival de Sigur Rós “Norður og Niður” en Islandia. Cocker ideó el proyecto como una manera de escribir canciones en colaboración con la audiencia. Para ello, la formación grabó sus directos y analizó el desarrollo de sus temas en vivo. Con Cocker al mando (voz, guitarra, percusión), el elenco lo completan: Serafina Steer (arpa, teclados, voz), Emma Smith (violín, guitarra, voz), Andrew McKinney (bajo, voz), Jason Buckle (sintetizadores y sonidos electrónicos) y Adam Betts (batería, percusión, voz). Según cuenta Cocker, tras una aparición en el festival Desert Daze de California, el productor y multiinstrumentista Geoff Barrow (Portishead, Beak, Quakers), sugirió que estas grabaciones fueran usadas como base del álbum. Después, en los Narcissus Studios de Neasden (Londres) se añadieron capas instrumentales y voces. La posproducción se realizó en el estudio de Place du Big Boss del Raynes Park y las mezclas la hizo Craig Silvey en los Toast Studios, ambos también en Londres. De este proceso de creación en continuo movimiento y cambio, JARV IS… nos llega como una experiencia inconclusa: música viva que sentimos serpentear y acercarse como propia esencia y requisito de su existir hacia delante. “Beyond The Pale” “no es un álbum en vivo, es un álbum vivo”. Avisados estamos. Ahora toca dejarse llevar en cada escucha y formar parte de sus transformadores directos.
33.- Lianne La Havas - “Lianne La Havas”
Warner
NEO-SOUL
Si hemos de ser sinceros, nos habíamos olvidado de la maravillosa profundidad soul de la voz de la británica Lianne La Havas. Cinco años tiene la culpa. Ese es el periodo que ha transcurrido desde la edición de su segundo trabajo “Bloom” (15) con el que ya fue nominada a un Grammy, pero que no dejó del todo satisfecha a nuestra exigente cantautora. Ella era consciente la primera de que todavía había cosas que mejorar, y que sus canciones podían alcanzar una dimensión todavía mayor y volverse mucho más sofisticadas al agregarles más detalles con los que aupar más y mejor la emoción que desprenden sus cuerdas vocales. En este lo ha conseguido del todo y puede darse por satisfecha. Porque pocos discos van a lograr hipnotizar tanto al oyente este año como este trabajo que, pese a ser el tercero, titula de forma significativa tan solo con su nombre. Señal inequívoca de que con canciones como “Bittersweet”, “Paper Thin” o la sinuosa, envolvente hasta el desgarro “Weird Fishes”, dejará un poso que permanecerá durante al menos un lustro. Así debería ser.
Don Disturbios
32.- Yves Tumor - "Heaven To A Tortured Mind"
WARP/Music As Usual
POP EXPERIMENTAL
La etiqueta de experimental ha acompañado a la música de Sean Bowie, alias Yves Tumor, desde que comenzó su carrera a mediados de la década que acaba de terminar. Luego, en septiembre de 2018, apareció "Safe In The Hands Of Love" y canciones como "Licking An Orchid" y, sobre todo, "Noid", nos enseñaban a un artista con una vena pop mucho más accesible que lo que su faceta vanguardista nos dejaba ver. Ahora llega "Heaven To A Tortured Mind", un disco menos diverso pero más cohesionado, una especie de actualización del art rock y el P-Funk setentero mezclado con toques post- industriales y de la escena indie rock de comienzos del siglo XXI. Con un bajo omnipresente, cuidadas melodías, armonías, solos de guitarra, falsetes soul y collages sonoros. Pero que sea menos experimental y más centrado en las canciones no quiere decir que sea menos original e innovador, este es el disco de un artista encontrándose a sí mismo en su momento de pleno apogeo.
Sergio Ariza
31.- Porridge Radio - "Every Bad"
Secretly Canadian/Popstock!
ROCK
Parece claro que las mujeres son las principales encargadas de mantener viva la llama del rock, con ejemplos como Courtney Barnett o Savages. Ahora llega el debut en un sello grande de Porridge Radio, la banda de Dana Margolin, una joven con muchas cosas que decir y canciones perfectas para expresarlo. Su método compositivo se basa en utilizar mantras repetidos hasta la catarsis, con momentos en los que una frase logra un efecto chamánico por medio de la repetición. Además, hay una polaridad entre lo que canta y cómo lo canta, porque este no es un disco para escuchar de fondo. “Every Bad” requiere tu atención total. Cada frase, aunque sea en bucle, resuena como una revelación en unas canciones que beben de casi todo el rock de guitarras de los últimos cuarenta años, del post-punk al britpop, del indie al revival rock de comienzos de siglo. Al final del disco una frase marcada a fuego "There's nothing inside", Margolin se ha purgado y vaciado por completo, poniendo a su banda en la rampa de los “next big thing”.
Sergio Ariza
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